Alain Thomas
Alain Thomas

Alain Thomas est né le 14 février 1942 à Nantes en Loire-Atlantique. Autodidacte, il commence à peindre en 1962. Son univers pictural, coloré et empreint de poésie, se compose d'animaux venus du monde entiers.
En 2003, Alain Thomas est reconnu dans le milieu de l'art contemporain français comme chef de file de la peinture 'naïve-primitive'. Son style très personnalisé lui a permis en plus de quarante ans de carrière d'illustrer une vingtaine d'ouvrages dont plusieurs contes pour enfants, monographies, bestiaires et livres de bibliophilie.
Exposées avec succès à Paris, New-York, Tokyo, les peintures d'Alain Thomas décorent désormais de prestigieuses collections aux savoir-faire uniques tels que les enluminures, émaux de Longwy, porcelaines de Limoges, soies de Lyon, tapisseries d'Aubusson...

En savoir + sur l'artiste : www.alain-thomas.com

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Carlo Maiolini
Carlo Maiolini

Carlo Maiolini commence les Beaux-arts à Tunis avant de rejoindre Paris. A 18 ans, aux Beaux-arts de Tunis, il remporte le « Prix de la bourse de voyage Artistique » ce qui lui permit de sillonner toute l’Italie et de découvrir les Artistes de la Renaissance Italienne, dont on ressent l’influence encore aujourd’hui. Tour à tour, styliste, dessinateur pour des revues, décorateur (concepteur et réalisateur du « Bal à Versailles » pour le Prince de Lignac, à St. Tropez) créateur d’objets, il ne laissa pas pour autant les pinceaux mais ce ne fût, pendant ces années, qu’une production personnelle, ne travaillant qu’à la série de tableaux de la Grande Galerie. Depuis une vingtaine d’années, il se consacre presque exclusivement à la peinture. Au cours de sa carrière artistique il obtient plusieurs prix, médailles et récompenses. Carlo Maiolini est représenté dans de nombreuses galeries de par le monde et participe à divers salons internationaux. Ses tableaux se trouvent dans des collections privées ou d’État en France et à l'étranger.

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Catherine Lhoir
Catherine Lhoir

Le parcours artistique de Catherine Lhoir est riche et varié. Formée au dessin et à la peinture, elle est d'abord professeur d'art avant de développer son style unique lié à la musique jazz. Sa palette est reconnaissable entre toutes, que ce soit dans ses peintures, dans ses sculptures ou dans les réalisations qu'elle développe dans le monde du design. Un style qui évolue et s'enrichit au cours des années sans jamais perdre de son originalité. Le Jazzisme de Catherine Loir se décline sous diverses formes d'art dans le cadre d'expositions et d'évènements internationaux.  

En savoir + sur l'artiste : www.lhoir.eu

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Céleste Mogador
Céleste Mogador

Née à Carhaix au cœur de la Bretagne, Pascale Nivet Bernetière vit et travaille à Rennes.Elle débute sa vie d'artiste sous le nom de Mademoiselle Héloïse.
La marque Céleste Mogador est créée en 2016. Pascale assure la direction artistique de l'ensemble des créations: bijoux, accessoires et objets de décoration. Elle brode à la main les pièces uniques.
Mais alors qui est vraiment Céleste Mogador ?
Céleste Mogador est le pseudonyme d'Élisabeth-Céleste Vénard, célèbre danseuse du français Cancan du 19ème siècle. Elle participe à lancer la carrière de La Goulue, autre personnage célèbre de l'époque. C'est ce personnage décalé et spectaculaire et la sonorité du nom Céleste Mogador qui séduit la créatrice Pascale Nivet Bernetiere.
Le travail de Pascale Nivet Bernetière est très éloigné d'un style froid et minimaliste. Couleurs, matières, motifs ... l'univers créatif est riche en symboles oniriques et gourmands, tous plus vibrants les uns que les autres.
Pascale aime mélanger les styles, souvent inspiré par des pièces colorées : les motifs des vêtements des peuples Samis et Incas, les masques chinois ... autant de souvenirs d'enfance, nourris par des festivals d'arts traditionnels, de spectacles et de livres.
Plus tard elle se rêve en chanteuse de rock, en aristo déjantée, en Loulou de la Falaise. L'univers de Pascale est assurément rock, nourri par la musique pop rock des groupes anglo-saxons les Sex Pistols, Joy Division, The Verve, The Cure ... et aussi par les stylistes britanniques comme Vivienne Westwood et Alexander McQueen.
Céleste Mogador aujourd'hui est une marque de bijoux, d'accessoires et d'objets de décoration.

En savoir + sur l'artiste : www.celeste-mogador.com

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Christophe Jehan
Christophe Jehan

Né en 1961, de mère andalouse et de père breton, Christophe JEHAN fait ses études à Paris.
Amoureux de la mer, il exerce son métier d’architecte dans les îles aux Caraïbes où il profite des joies du surf et de la pêche sous-marine...
Séduit par les couleurs et la lumière locale, il perfectionne ses talents de peintre à ses moments perdus. Lorsque le mal du pays le gagne, il décide de s’installer à la frontière espagnole, dans le sud-ouest de la France, pour se consacrer entièrement à la peinture.
Christophe JEHAN installe son atelier dans une petite maison de pêcheur, qui très vite, inspire ses premiers personnages et scènes de vie où la couleur s’avère être un véritable don.  
La mer est dans un premier temps le thème principal de ses toiles. Après plusieurs expositions à Paris, l'artiste prend goût à peindre l’homme tel qu’il le voit dans son univers de citadin. Il traite ses sujets avec humour et leur transmet un souffle incontestable de tendresse et d’énergie.
En savoir + sur l'Artiste : http://www.estades.com/jehan-christophe/

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Clotilde D.
Clotilde D.

Clotilde D. a révolutionné Longwy en 2010 en créant la collection Géo. L'usage exclusif du noir et blanc marié à l'or et au platine, dans ce temple de la couleur qu'est Longwy, était un pari, mais ses pièces ont immédiatement trouvé un public. A tel point qu'une partie importante des collections Longwy se décline désormais en noir et blanc. Clotilde, tout en privilégiant toujours une certaine géométrie au sein de ses créations, nous propose dorénavant des collections plus ethniques et plus colorées. 

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Clément Laurentin
Clément Laurentin

Après des études d’arts appliqués à l’école Boulle, il rejoint le 9ème concept en juin 2001. Dans son travail, Clément développe plusieurs lignes graphiques et sémiologiques, parfois très distinctes, qu’il tente de faire cohabiter, comme autant de facettes d’une même personnalité. Ses dessins peuvent être réfléchis ou spontanés, ses portraits ancrés dans le réel ou relatifs à une imagerie onirique,mais avec un souci permanent de jouer avec les contraires et d’en faire jaillir l’inattendu. Ses univers de prédilections que sont la musique, l’univers du street art, les typographies, mais aussi le métissage sont autant de thèmes qui inspirent ses créations. Planant, imaginatif, positif et curieux de tout, ses traits de personnalités ressortent beaucoup dans ses œuvres, bouillonnantes d’énergie et de bonne humeur.

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Danillo Curetti
Danillo Curetti

Daniel, dit Danillo Curetti, jeune artiste contemporain d’origine Suisse, apporta aux Faïenceries un souffle novateur en 1983. Il y collabore près de six années avant de quitter Longwy en Novembre 1989 pour fonder une faïencerie en Suisse. De son passage émane un vent Art Déco, Curetti maîtrise dessin et matière. Il travaille en aplat assez grand et utilise souvent les grosses boules dites coloniales, créées en 1931, ou des grandes coupes (forme 1643). Son inspiration très féconde attire un vaste public, qui parfois, confond ses pièces avec des créations des années 1920-1930. Parmi ses décors célèbres, citons Paul et Virginie, spécialement créé pour Ted Lapidus, les signes du Zodiaque, les panthères, tigres, Normandie, la Tour Eiffel, Iceberg, Barbara, Femme au collier… Il imagine aussi des formes comme la Boule Marylin qui marie émaux et passementerie et remet au goût du jour des appliques murales Art Déco. Toutes ces pièces sont en tirage limité, elles portent sa signature. Danillo Curetti revient à Longwy en 1991 rappelé par la famille Kostka, nouveaux propriétaires de la Faïencerie. Il décède prématurément en 1993 à l’aube de ses quarante ans, il repose à Toulon. Pendant 10 années, il a insufflé à la séculaire manufacture un vent de modernisme issu de l’Art Déco. Ses décors étaient une belle alternative aux traditionnels décors japonisants (cf. carnets «passion et collections» de Dominique Dreyfus). Curetti a conservé un public sensible à son art, ses créations sont toujours très appréciées et recherchées et ses réalisations sur boules coloniales sont souvent épuisées. Les Faïenceries continuent à proposer les oeuvres de Curetti sur de nouveaux supports boules Flo, Boules Midi… ou dans la nouvelle collection 'Curetti Recoloré' noir, blanc, or, et platine


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Denis Fuhrmann
Denis Fuhrmann

Denis Fuhrmann, né en 1962 sur des rives méditerranéennes baignées de soleil, est un artiste peintre qui traduit son incomparable héritage sensoriel au travers de la flamboyance de ses couleurs, véritables signatures artistiques et émotionnelles. Il met en scène ce qu’il a conservé à jamais dans sa mémoire des bleus méditerranéens, jouant avec leur intensité et leurs contrastes.
Il est initié à l’âge de 13 ans par un grand père, peintre lui aussi, qui le challengera sur ses dons artistiques, lui transmettant alors le goût du défi et de l’audace et lui ouvrant à jamais un espace de liberté propice à sa création artistique.
Son travail offre sans cesse l’opportunité de vivre une expérience émotionnelle unique. Ses œuvres sont lumineuses, enthousiasmantes, généreuses. Comme marquées du sceau de l’intemporalité, elles sont cependant bien ancrées dans le présent et le réel de notre condition humaine parce que chargées du sens humaniste nécessaire à l’optimisme. Sa peinture est en constante évolution. Reconnu « à la manière de », il s’affranchit doucement et subtilement de sa filiation picassienne qu’il revendique, à laquelle il tient tant parce qu’elle a fait de lui ce qu’il est et devient.
 

En savoir plus sur l'artiste : https://www.artmajeur.com/fr/villadionysos/presentation

 

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Eric Hibelot
Eric Hibelot

Eric Hibelot est un judicieux guetteur de tendances. Sa matière de prédilection, ses codes plastiques, sa gamme chromatique sont efficaces, simples et récurrents : il travaille la porcelaine blanche, parfois même en deux D, façon cartes postales ou tableaux, privilégie les formes rondes qui emplissent la main, monte ses pièces par plaques aussi minimes soient-elles, recherche les porte-à-faux, les déséquilibres, les «culs ronds » de l’esprit Culbuto ; il aime les aplats de couleurs primaires, le bleu notamment, les effets de surface contrastés mats et brillants et les rayures issues de l’univers textile. Son travail fait référence aux contenants de la grande distribution ; en conférant à chacune une unicité, le créateur répare les failles de la société de consommation.

En savoir plus sur l’artiste : www.latelierdesgarcons.com

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Françoise Pétrovitch
Françoise Pétrovitch

Françoise Pétrovitch développe depuis les années 1990 une pratique qui navigue de la sculpture à l'installation, de la peinture aux lavis d'encre. Elle y met en scène un panorama de personnages qui évoluent dans un univers coloré, luxuriant, une féérie où affleure pourtant quelque chose de troublant, parfois déroutant, presque inquiétant.
Françoise Pétrovitch a fait l'objet de nombreuses expositions monographiques en France et à l'étranger. En 2018, elle est la première artiste contemporaine à bénéficier d'une exposition personnelle au Louvre-Lens, et sera prochainement exposée à la Bibliothèque Nationale de France - BnF (Paris) et à la Villa Savoye (Poissy).
Ses œuvres ont intégré certaines des plus grandes collections publiques et privées, à travers le monde.

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Frédéric Mané
Frédéric Mané

Originaire des terres catalanes, Frédéric Mané passe son enfance entre Collioure et Cadaquès, villes de peintres célébrées par Matisse et Dali. Il grandit dans un environnement haut en couleurs d'artistes et demeure marqué par l'univers enchanté de la boutique de jouets fondée par son grand-père à Perpignan.
Ses sources d'inspiration sont les muses ensorceleuses et les récits mythologiques de la Méditerranée. Ses créations sont influencées par l'observation de la nature en mouvement perpétuel, telles les gouttes d'eau ruisselant sur les feuilles, le vol d'un oiseau sur la mer, le battement d'ailes d'un insecte au clair de lune ou le galop d'un cheval à la tombée du jour. Ses dessins transcrivent ces instants de poésie en lignes épurées et synthétisent ces mouvements en une palette de couleurs toujours rafraîchissantes.
Chacune de ses collections dessinée avec passion et précision du détail, raconte des histoires romantiques et symboliste dans un style résolument contemporain.
Depuis 14 ans Frédéric Mané est consultant designer et collabore avec les maisons de savoir-faire, les joailliers parisiens et les signatures internationales. Fort d'une expérience de création variée dans le domaine des maisons de luxe et particulièrement dans la joaillerie, le design d'objets précieux et accessoires, Frédéric Mané collabore avec les maisons de savoir-faire et les ateliers de haute joaillerie de la place Vendôme, cela lui permet d'avoir un suivi technique du processus de conception des pièces, de la création à la fabrication dans toute sa technicité autant que sa subtilité.
A l'international, il effectue des missions aux Emirats et en Asie, avec présentation des collections, rencontre et dessine en direct pour la clientèle particulière pour laquelle il imagine des pièces uniques et sur-mesure autour d'une riche palette de styles et de sensibilités.

En savoir plus sur l'artiste :
www.fredericmane.com

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Garouste & Bonetti
Garouste & Bonetti

Elizabeth Garouste est née en 1949 à Paris et Mattia Bonetti en 1952 à Lugano (Suisse). Ils mettent leur travail en commun à partir de 1980 afin de se dédier à la création de pièces de mobilier et de décoration d’intérieur. Ils débutent par la décoration du Palace que Fabrice Eamer leur demande de concevoir. Puis peu après, la Néotu Gallery les édite. Leur mobilier,baroque et barbare, surprend,constitué de matériaux hétéroclites et inhabituels, tels de la roche, du bronze martelé, du raphia, du cuir, de la peau, des bûches et du verre… Ils sont à l’instigation de la mode “barbare”. Ils usent pour leurs réalisations de références telles le Moyen-Âge, l’Afrique, en passant par la poésie de Cocteau, le baroque vénitien et le néo-classicisme. Ils ont également été édités par les galeries “En attendant les Barbares”, David Gill, Kréo, Lou Fagotin, Daum, Baguès. Ils ont mis fin à leur collaboration en 2002. Mattia Bonetti continue de créer du mobilier, exposé de manière régulière dans le cadre de nombreuses expositions et galeries.

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Georges Braque
Georges Braque

Après une période Fauve en 1906, fondateur en 1907 du Cubisme, initiateur de l’Abstrait en 1909, Georges Braque est «le plus grand peintre français du XXème siècle». Vers 1960, Georges Braque prend conscience du peu d’œuvres réalisées en trois dimensions. Pour compléter ce manque, il synthétise ses œuvres majeures en une centaine de gouaches signées et annotées de son autorisation de reproduction en bijoux, sculptures, tapisseries, céramiques et porcelaines. Il demande à son ami le Baron de Loewenfeld, célèbre joaillier, de l’aider dans cette démarche et sera le premier peintre à exposer au Musée du Louvre avec les «Métamorphoses». En 1996, le Baron de Loewenfeld désigne Armand Israël comme protecteur des œuvres de Georges Braque. En 2006, Armand Israël devient le Conservateur du Musée des Métamorphoses de Georges Braque à St. Dié des Vosges.    

En savoir + sur l'artiste : www.georgesbraque.fr/

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Gilles Le Guen
Gilles Le Guen

Gilles Le Guen vit et peint à Tahiti, depuis 1983. Il a commencé son apprentissage à Paris, au musée Nissim de Camondo et à l'Académie Julian de l'ESAG Penninghen. Durant toutes ces années, il s'est imprégnié de la culture locale Polynésienne. Ses tableaux racontent des histoires. Ses sources d'inspiration sont le passé et le futur, l'imaginaire, le voyage, les continents, l’Atlantide, Mu et les contacts avec les civilisations de l’espace, les craps circle... Il a réalisé des reproductions du Maître Paul Gauguin pour l'Aéroport International de Tahiti et des tableaux de grandes tailles pour l'hôtel Hilton de Tahiti.

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Guive Khosravi
Guive Khosravi

Né en 1968 à Talence (France), rien ne destinait Guive KHOSRAVI à devenir artiste. A sa sortie de l’école des Arts et Métiers d’Aix en Provence, il exerce, pendant dix ans, son métier d’ingénieur tout en suivant des cours de dessin et en réalisant, avec succès, gravures ou sérigraphies.
Après reflexions, il décide de se consacrer entièrement à l’Art, s'installe en 2001 à Vallauris, cité de la Céramique. C’est un véritable coup de foudre, une passion naissante pour cette technique. Un an plus tard, Guive Khosravi reçoit la médaille d’Argent, pour « l’Oeil du Photographe » à la Biennale Internationale de Céramique de Vallauris.
Habitué à utiliser la faience pour ses objets et le grés pour l’architecture, il est l’invité du 18eme symposium de Budapest où il découvre la porcelaine dans l’usine Alfod. Lors de l'année 2006, il crée pour Villeroy et Boch, une centaine de pièces, avec la participation des techniciens de la manufacture, avant de collaborer et mettre au point, en exclusivité pour STURIA, des services à caviar uniques et numérotés.
L art de Guive KHOSRAVI est celui d'un homme libre pour qui tout semble possible. Ses créations possèdent une profondeur onirique qui invite aux voyages. Mélangeant avec bonheur des influences diverses, le style « Khosravi » est né !
Il témoigne d'une horreur du vide, révèle une imagination débordante. Ses œuvres de couleurs vives retiennent le regard qui détaille à l’infini, une multitude de motifs se côtoyant dans une anarchie, parfaitement organisée... très « Street Art ».

En savoir + sur l'artiste :
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India Mahdavi
India Mahdavi

Depuis le début de sa carrière, India Mahdavi développe à travers ses réalisations une certaine vision du bonheur et de la couleur. En 2003, elle lance sa première collection de mobilier et inaugure son showroom. En 2011, elle ouvre sa boutique “Petits Objets”, un lieu destiné à promouvoir une palette de savoir-faire et de techniques ancestrales autant qu’un nuancier “signature”. De l’Hôtel du Cloître à The Gallery at Sketch, de Monaco à Los Angeles, elle a signé de nombreux lieux, bars, restaurants, clubs et hôtels. A la fois architecte et créatrice de mobilier, elle s’impose sur la scène contemporaine de manière singulière, éclectique et nomade, pour célébrer un orient pop en occident.

En savoir plus sur l'artiste : https://india-mahdavi.com/

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Isabel Yung
Isabel Yung

Née en 1961 à Gerardmer, après avoir suivi l'école des beaux-arts d’Épinal, puis des arts-décoratifs de Strasbourg, Isabel Yung se dirige vers l'illustration avant de rejoindre l'imagerie Pellerin (images d’Épinal). Son univers coloré est peuplé de charmants animaux où règnent la tendresse, la joie de vivre et le voyage vers des contrées imaginaires. Puis naissent d'autres passions exprimées sur d'autres supports : émaux de Longwy, peinture, terres cuites, raku où l'animal si cher à ses yeux prend une place prépondérante dans la réalisation de ses oeuvres.

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Jean Boggio
Jean Boggio

Jean Boggio a une carrière atypique dans la joaillerie. Son univers s’inspire des contes et des légendes qui ont émaillé son enfance, un style baroque où chaque création ressemble à une petite comptine. Ce joaillier lyonnais, orfèvre de formation n’a que 18 ans lorsqu’il signe ses premières pièces pour Lapidus. En ouvrant son atelier en 1984, il commence à élaborer des bagues monumentales telles de petits univers mystérieux qui peu à peu l’amènent à s’intéresser aux arts décoratifs. Très vite ses dessins d’enfant, revus et corrigés à l’âge adulte, sont remarqués des plus grands tels que Baccarat, Chopard-vaisselle ou Haviland. Plus récemment, la marque Le Bourget s’est adressée à lui pour dessiner une gamme de collants, une nouveauté qu’il s’est fort amusé à réaliser, utilisant pour thèmes « Le chat botté » ainsi que « Le lièvre et la tortue »… Aujourd’hui Jean Boggio est revenu à ses premiers amours : le bijou et son univers fantasmagorique.

En savoir + sur l'artiste : www.jeanboggio.fr

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Jean-Paul Neglot Tolgen
Jean-Paul Neglot Tolgen

Aussi connu sous le pseudonyme Tolgen, Jean-Paul Neglot est un peintre aquarelliste de talent français né en 1955 à Metz. En parallèle d’une activité professionnelle, il perfectionne ses compétences dans les tableaux à l'aquarelle et à l'huile. Il reçoit de nombreuses récompenses pour ses peintures d'aquarelle. Après des années de travail sur peinture figurative, il développe un style abstrait, mais néanmoins compréhensif. Le jazz, le blues et la musique classique ont un grand impact sur les créations de Tolgen.  

En savoir + sur l'artiste : www.neglot-tolgen.fr

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José Levy
José Levy

Que fait José Lévy ?
La réponse n'est pas simple tant ses pratiques sont intersectionelles, au point de convergence d'un ensemble de disciplines et de savoir-faire patiemment explorés, compilés, agencés.
José Lévy conçoit des objets et par objets entendons des choses fabriquées. Des porcelaines pour la Manufacture de Sèvre, des céramiques pour Astier de Vilatte, du cristal pour Saint-Louis, du mobilier pour Roche-Bobois ou la Gallery S.Bensimon, des bougies, du linge de bain, des vêtements pour lui et pour d'autres…
Dans ses aventures contemporaines comme lorsque défilaient encore les saisons de sa mémorable marque de prêt-à-porter, le travail de José Levy qualifie l'air du temps de fantaisies et de survivances.
Archéologue, il cherche dans les techniques et les savoir-faire, les cultures populaires et les banalités passées, les formes connues mais oubliées qui habitent ses créations de nostalgies et de réminiscences.
Des souvenirs partagés déliés et dilués dans une écriture actuelle qui déplace à dessein les formes remarquables.
Les objets de José Levy sont entre deux âges, immédiats et tangibles, ils déploient les signes d'une contemporanéité affirmative et ouvrent vers des temps possibles .

Créateur libre et curieux, éclectique et concentré, il a toujours illustré son regard très personnel en collaborant depuis le début
de sa carrière avec de nombreux artistes, photographes et plasticiens, architectes ou musiciens.
Depuis 2007, il se consacre désormais totalement à ce travail de création transversale, entre arts plastiques et arts décoratifs.

En savoir plus sur l'Artiste : http://www.joselevy.fr/

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Loetitia Pillault
Loetitia Pillault

Fleurs et femmes, tels sont ses thèmes de prédilection mais ils ne sont que prétextes pour combiner arabesques, calligraphies gestuelles, richesses des ors et couleurs ardentes.
 Après des études d’arts appliqués et de stylisme de mode, elle travaille quelques temps comme graphiste textile puis comme décoratrice pour un grand magasin.
 Sous le signe du voyage et du raffinement, ses couleurs nous ouvrent une porte sur les émotions. Les vibrations chromatiques nous entraînent dans un parcours coloré ponctué par le texte, les signes, les motifs ajoutant à la spiritualité de ces patchworks. Ses inspirations à la fois poétiques et baroques sont appuyées par le monde du textile, soieries précieuses d’orient, fils d’or …
Ses cadrages intimistes , morceaux de lumières nous invitent dans des atmosphères propres à la méditation.

http://loetitiapillault.canalblog.com

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Lukas Works
Lukas Works

Lukas Works est né en Afrique de l'Ouest où il a passé son enfance. Il suivra ses parents qui s'installent pour quelques temps en Asie, découvre Jakarta et y terminera son enseignement secondaire.
Il arrive en France à 18 ans, débute à Nantes des études de cinéma, puis valide une formation de designer sonore à Montpellier. A force d'immersion et de relations dans les milieux artistiques, il découvre la peinture au travers des toiles de Bernard Buffet, Hervé di Rosa et Robert Combas.
Ses rencontres avec l'art pictural mêlées aux couleurs, sons et formes multiples des pays de son enfance se traduisent en une irresistible envie de peindre. Après des années passées à composer des musiques sur des machines électroniques et des claviers, ce nouveau moyen d'expression est une véritable révélation !
Il trouve très rapidement l'adhésion et la considération d'un public qui voit dans ses oeuvres une certaine correspondance avec Jackson Pollock, Fernand Léger ou Jean Dubuffet. C'est à Paris qu'il décide de s'établir pour poursuivre sa démarche artistique.

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Léon Zanella
Léon Zanella

Né à Marseille en 1956, l’artiste a fait ses études aux Beaux Arts d’Avignon et puise son inspiration dans la pure tradition des peintres provençaux : couleurs crues, dessin naïf, technique du couteau… «Je m’inspire de mes voyages, surtout de la Grèce, de Venise et de la Provence».
De renommée internationale, Léon Zanella a commencé sa carrière à 17 ans par une exposition à l'Hôtel de Ville de Bédoin au pied du célèbre Mont Ventoux. La totalité (54) de ses tableaux a été vendue lors de cette première.
Les émaux de Longwy lui doivent les collections colorées 'Coquelicots à Bedoin', 'San Marco', 'Vendanges au Chateau' ou encore 'Tulipes à Causans'.

En savoir + sur l'artiste : www.leonzanella.com

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Marie Lucas
Marie Lucas

Diplômée en Conception Art et Industrie Céramique et Arts Appliqués au Lycée Henry Moisand à Longchamp, en 2016 Marie Lucas rejoint l'atelier "Terre" de la Manufacture des Emaux de Longwy. Elle y propose son style graphique et épuré avec un perçage de la matière pour un effet 3D.
Passionnée par les différentes techniques artistiques, elle puise son inspiration dans la nature pour développer son univers et créer des graphismes ainsi que de nouvelles formes.

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Mathilde Carron
Mathilde Carron

C’est aux Beaux Arts de Paris et de sa rencontre déterminante avec Georges Jeanclos que Mathilde Carron- Astier de Villatte découvre l’art de la terre. Commence alors sa relation étroite avec ce matériau noble qu’elle apprend à sculpter, modeler, patiner au gré de ses recherches.

Diplômée des Beaux-Arts de Paris en 1989, elle expose son travail dans différentes galeries de la capitale. Mathilde perfectionne également l’art du dessin et obtient le prix Pierre David-Weill de l’Académie des Beaux-Arts. En Italie, à Venise, Florence, à Rome, à la Villa Médicis notamment, elle découvre la richesse du baroque italien et de l’art populaire romain aux côtés de son père Pierre Carron, peintre et sculpteur. Forte de cette formation, Mathilde Carron-Astier de Villatte, à l’origine de la marque Astier de Villatte, créé une ligne de céramique en terre noire qui fait le succès de la marque et vient bousculer les codes traditionnels du travail de la faïence.

Mathilde propose à présent ses créations au travers de salons et son savoir-faire à différents professionnels pour créer de nouvelles lignes de céramique sur mesure. C’est ainsi qu’inspirée des couleurs et formes somptueuses des mosaïques, des fresques, des sols en marbre et pierre de la basilique Saint Marc de Venise, Mathilde Carron-Astier de Villatte, avec la collection «Basilica», déstructure dans une géométrie surprenante les célèbres boules coloniales des Emaux de Longwy.
www.carron.paris

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Mette Galatius
Mette Galatius

Artiste danoise, Mette Galatius vit et travaille en France depuis une quinzaine d’années. Elle est peintre et designer. Ses œuvres témoignent de ses recherches liées à la couleur, à la forme, au signe, … Les sujets qu’elle aborde, souvent liés à la vie quotidienne, se déclinent en séries de différents formats. Des jeux de mots entre les différentes langues qu’elle maîtrise accompagnent souvent son travail.

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Michaël Cailloux
Michaël Cailloux

Inspiré par les natures mortes du XVIIe siècle et le naturalisme Art nouveau, Michaël Cailloux cultive l’art du dessin aux feutres fins. Il invente une nature féconde et débridée au fil d'une oeuvre plurielle : sculptures, gravures à l’eau forte et design. Quand il a découvert la manufacture de Longwy, il a été séduit par la  technique  délicate de l’émaillage qui permet un rendu en relief et en finesse.

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Nicolas Blandin
Nicolas Blandin

Après des études classiques et un parcours atypique allant de la communication à la mode, en passant par le théâtre et le suivi éducatif, Nicolas Blandin décide en 2007 de se consacrer à ce qui le passionne depuis toujours, la création d’objets de décoration et de mobilier. En faisant un virage à 180° comme il se plait à le dire, histoire de vivre sa vie et d’avoir le sentiment d’être enfin à sa place, cet autodidacte fortement influencé par l’Art Déco et les années 40, cherche au travers de ses créations à raconter des histoires singulières et à éveiller l’imaginaire de celui qui regarde.

En savoir + sur l'artiste : nicolasblandin-design.blogspot.com

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Nicolas de Waël
Nicolas de Waël

Passionné de bijoux et de mode, Nicolas De Waël dessine et imagine depuis toujours. Formé à l’École de la Chambre Syndicale de la Bijouterie et au stylisme à l’Atelier Fleuri Delaporte à Paris, il assistera Alexis Lahellec, à la création de bijoux. En 1995, la rencontre avec la maison Fondica lui permet de créer ses premiers objets et luminaires. Depuis, il imagine pour différents éditeurs des collections d'objets. Penser, rêver, conter : ses créations reflètent son imaginaire. Capturer le vent, une couleur, l’essence d’une fleur... sublimer ces petits riens, ces poésies du monde. Chaque pièce se réfère à un moment heureux d'une histoire personnelle. 2006 voit la naissance de ses collections de bijoux éponymes.

En savoir + sur l'artiste :  www.nicolasdewael.com 

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Nicolas Lequeux
Nicolas Lequeux

Diplômé du Master of Communication and Media Engineering (CME), ses recherches portent sur les liens entre l'humanité et les objets. Son premier objet est une coque de téléphone portable.
Il s'interroge alors sur l'amour que les humains portent aux objets. En 2018, son projet de tabourets The Kindness a reçu un prix spécial de la Villa Noailles pour l'idée de recyclage du liège. Il mêle matériaux et diverses technologies où son savoir-faire exceptionnel expérimente en conscience et avec exigence.

Pour les Emaux de Longwy, il travaille sur l'histoire "Art & Craft" (Art et Artisanat) de la Manufacture afin de créer de nouveaux motifs et lier les générations nouvelles et anciennes, en utilisant des couleurs et des graphiques numériques enfantins.

Ses projets sont basés sur la recherche de fonctionnalité et de rationalité en ajoutant sa touche émotionnelle.

Il travaille maintenant entre Paris et Hyères-Les-Palmiers.
© Copyrights Nicolas Lequeux, All rights reserved.

En savoir + sur l'artiste : https://www.nicolaslequeux.fr

 


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Opéra
Opéra
OPÉRA, de son vrai nom Stéphane Vignal, est un artiste et designer qui réside et travaille à Paris. Issu de la scène Graffiti et Street Art dont il est activiste depuis 1998, il travaille pendant plus de 10 ans entant que lettreur et directeur artistique en agence et à son propre compte, avant de se tourner progressivement vers un travail en atelier plus axé sur son univers personnel.
Sa peinture, directement influencée par le graphisme contemporain et l'architecture, dévoile une approche géométrique au travers de compositions graphiques abstraites, incisives et colorées. Influencé par le Cubisme, le Constructivisme et l'école du Bauhaus, OPÉRA s'inspire des techniques de ses pères comme Juan Gris, Fernand Léger, Robert et Sonia Delaunay ou encore Francis Picabia.
 
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Pierre Gonalons
Pierre Gonalons

Pierre Gonalons, designer et architecte d'intérieur est installé à Paris, né à Lyon dans une famille aux origines culturelles italiennes, il cultive très tôt une sensibilité au patrimoine français et à l'histoire de l'art.
Diplômé de l'école Camondo, Pierre Gonalons impose très vite sa vision singulière du design et de l'espace. Il fonde son studio de création à 23 ans et dessine pour de prestigieuses maisons, Lalique, Chloé, Pierre Frey, Nina Ricci, Pernod, Weston..., parallèlement à ses collections en auto-édition et en éditions limitées pour des galeries internationales.
Ses créations s'inscrivent entre simplicité et spectaculaire et donnent la priorité à l'expression des matériaux qu'il considère comme une source d'inspiration. Il défend un design minimal auquel il transmet des références aux arts décoratifs et à la culture Pop.

En savoir + sur l'artiste : https://www.pierregonalons.com

 

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Régis Dhô
Régis Dhô

Régis Dhô est né le 10 octobre 1948 à Rabat, au Maroc. Il fait ses premiers pas en France en Touraine et s'installe à Paris à seize ans. Elève des Beaux arts, il sort Major de sa promotion après trois ans d'études brillantes, puis se tourne vers les arts décoratifs. Son talent lui permet d'obtenir un diplôme de scénographe en 1969, année importante où il rencontre Pierre Cardin qui l'engage aussitôt comme styliste. Au cours de sa carrière, Regis Dhô s'est illustré dans de nombreux domaines artistiques. Il est aujourd'hui designer, scénographe, décorateur, directeur artistique, designer des grands chefs de l'hôtellerie et restaurant.

En savoir + sur l'artiste : www.regisdho.com

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Sandra Bregieras
Sandra Bregieras

Graphiste-designer, créatrice de bijoux.  Après ses études de Design à Orléans en 1996, Sandra retourne vivre à Limoges et s'intéresse à la porcelaine. Au sein de l'association Esprit Porcelaine elle crée des objets d'Art de la Table. Puis elle s'intéresse aux décors et commence à créer des bijoux en porcelaine, pièces uniques qu'elle peint à la main. Elle est graphiste indépendante. Outre ses collections de bijoux, elle travaille sur différents supports tel que le papier cadeau. Elle considère comme une chance et un remède à toute monotonie le fait d'avoir des clients industriels (comme les émaux de Longwy) et des particuliers qu'elle peut rencontrer lors de ses expositions-ventes.

Visitez l'atelier de Sandra Bregieras

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Stéphane Gisclard
Stéphane Gisclard

Né en 1966 à Béziers, vit et travaille dans le midi de la France. Stéphane Gisclard est un artiste inspiré par des ambiances particulières et peint, dans la contemporanéité de son écriture, sa ville et sa région.   Il a la maîtrise exceptionnelle d’un grand conteur de lumière. Une lumière qui sourd depuis de multiples plans, satellites d’un ensemble aux imbrications foisonnantes. Un trait puissant accentue cette démultiplication des plans refuges des ombres et des lumières, parcelles de couleurs subtiles, aplats ramassés, imbriqués, offrant à voir à travers ce puzzle des « scènes de genre aux ambiances musclées ».   Même si la peinture de Stéphane Gisclard est influencée par les grands maîtres du cubisme (Gris, Braque, Picasso, Metzinger…) et l’art africain, il conserve pourtant sa personnalité dans un graphisme puissant et toujours baigné de lumière méditerranéenne.    Il dépeint un monde intemporel, a peine adouci par les sourires ambiguës de personnages féminins. La lumière, les couleurs de son Sud natal sont une source d'inspiration permanente.  

En savoir + sur l'artiste : http://www.estades.com/artistes/gisclard/gisclard.html

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Taroe
Taroe
Né en 1981 à Bayonne, TAROE découvre l'univers du graffiti en 1995. Autodidacte et passionné, il fait ses armes sur des murs d'usines, terrains vagues et wagons de train qui jalonnent son chemin. Il découvre et se passionne alors pour la typographie, le design, la photographie, et développe différentes identités artistiques en parallèle de la peinture.
Il multiplie les performances et les collaborations (décors de films, campagnes publicitaires, logos, illustrations) en peinture comme en design.
Fort de ces expériences, c'est naturellement qu'il se tourne dès 2006 vers un autre support, la toile, en développant son propre style pictural. Souvent sur grand format, inspiré a ses débuts par des artistes tels que Richard Estes ou Paul Roberts, mais aussi par ses nombreux voyages, il retranscrit une ambiance de jungle urbaine que l'on peut croiser dans toutes les villes du monde. Ses toiles sont aujourd'hui cotées et visibles dans de nombreuses expositions personnelles ou collectives, en France comme à l'étranger. Il évolue toujours avec plusieurs axes de création simultanément, c'est la raison pour laquelle ses œuvres sont différentes sur mur et sur toile.
Des vitraux désacralisés, en passant par les objets ou véhicules éclatés, ainsi que les visages abstraits aux formes colorées, il progresse et s'enrichit de cette diversité qui lui est propre, et qui lui permet de ne jamais se lasser.
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Thoma Ryse
Thoma Ryse

Peintre et sculpteur, Thoma Ryse découvre l’univers de la création sur faïence à Quimper en 2012 et c’est tout naturellement qu’il signe une première collection pour les Faïenceries de Longwy en septembre 2014. L’artiste est multiple et insaisissable, inattendu parfois, d’une générosité incontestable exprimée par la large palette de couleurs et une souplesse du trait faisant parfois penser à Matisse.
Thoma Ryse éclaire sans cesse l’ouverture que la vie se fraye soudain et nous déroule sans manœuvre ni redite, la lumière qui jaillit au fond du tunnel pour illuminer, avec une touche de baroque, un univers plein de vitalité et d'énergie. Ses espaces colorés où les éléments d'architecture sont parfois envahissants, volontiers bousculés, nous rappellent tour à tour les "Nymphéas" de Monet et les "all over" de Pollock.

Site de l'artiste

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Thérèse d'Encausse
Thérèse d'Encausse

Thérèse d’Encausse, diplômée de l'Esag - Met de  Penninghen (1988) est Graphiste de formation. Elle travaille en tant que directrice artistique dans de grandes agences parisiennes. Très créative et douée pour la couleur, elle est rapidement attirée par les arts décoratifs et les savoirs - faire ancestraux. Une rencontre avec les Emaux de Longwy en 1997 lui permet d’exprimer son talent par la réalisation de décors inspirés de la faune et la flore dans la plus pure tradition des arts décoratifs.  Elle crée avec passion et joue avec la palette de couleurs traditionnelles dont le bleu Longwy, ornant de touche d’or ses pièces tels des bijoux. Thérèse d’Encausse signe avec brio, pour Longwy, des collections toujours séduisantes : Joie de Vivre, Folie Douce, Camélia, Eurasia, Thaïs,Rosita et Fleur Bleue.
En parallèle, elle crée des tableaux « fixé sur verre » à la feuille d’or, des foulards pour Dior, des créations pour Lampes Bergers, une ligne de bijoux en pierres précieuses, mais aussi des cartes de vœux pour le Louvre afin de renouer avec sa formation de graphiste !

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Vincent Darré
Vincent Darré

Célèbre pour ses Créations baroques, pleines de fantaisie, qui flirtent avec le surréalisme, l’excentricité anglaise, entre Jean Cocteau et Cecil Beaton, Vincent Darré est un personnage à part dans le monde de la décoration. Par ses origines tout d’abord: il vient de la mode où il a travaillé successivement chez Yves Saint Laurent, Montana, Prada, Fendi, Chloé, Moschino, Ungaro… Une carrière qu’il quitte en 2008 pour se consacrer à la création de meubles et d’objets décoratifs.

Dans un ravissant écrin rue du Mont-Thabor à Paris, il commence par présenter une collection baptisée Ossobucco composée de chaises au dossier en vertèbres et de tables aux pieds en forme de fémur. Suivra la collection À l’eau Dalí, avec des appliques Octopus et une coiffeuse Hippocampe ! Il y aura ensuite la collection Cadavres exquis… À rebours du design contemporain dont on vante l’élégante sobriété, Vincent Darré cultive la poésie, l’humour, la féerie, le clin d’œil. À part donc pour sa créativité. À part enfin pour sa personnalité : dandy à la gaieté communicative, figure de la nuit parisienne où il est toujours prêt à faire une cabriole en compagnie de son âme sœur, Arielle Dombasle, Vincent Darré n’a pas le profil du designer pétri de son importance, ce qui le rend éminemment sympathique.

Aujourd’hui, il tourne encore une page. Il a fermé la rue du Mont-Thabor, trop petit boudoir pour son nouveau projet : recréer un salon parisien au premier étage d’un immeuble à deux pas de la Concorde, un grand espace dans lequel il va pouvoir recevoir amis et clients au milieu de ses créations, de meubles anciens et de pièces de designers choisis. Et pour commencer cette aventure l’esprit totalement vierge, il se sépare de tout ce que contenait son appartement qui fut pendant des années son laboratoire.

“Nous avons tous trois vies, moi, j’en suis à ma cinquième ! C’est de Karl Lagerfeld que me vient cette pensée. Je l’ai vu changer de maisons comme de vêtements avec tellement de facilité. J’étais admiratif. À présent, c’est mon tour.” Pour ceux qui ne connaissent pas encore l’univers de Vincent Darré, la maison Piasa qui s’occupe de la vente aux enchères, va recréer le cadre dans lequel il a vécu. Un cabinet de curiosités théâtral et ludique, qui fera comprendre l’immense talent de ce designer atypique. En savoir plus sur l’artiste : www.maisondarre.com

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